众所周知，音乐是声音的艺术，声音是音乐艺术的第一表现力。但是随着时代发展，越来越多的观众更倾向于选择欣赏现场音乐会或者演奏视频而不是单纯的声音表达，其主要原因是观众在现场演奏或视频中可以获得听觉和视觉的双重享受。

　　因此，为适应舞台表演艺术的发展，我们在双排键演奏与教学中应该更加重视肢体语言的表达。

　　在双排键演奏中，肢体语言既是演奏技术的必要组成部分，同时又是演奏表现力的重要来源，特别是在声音不能完整传达音乐内涵的情况下，通过肢体语言可以引导观众更为准确地感受和理解音乐。

　　双排键音乐所包含的丰富艺术内涵，不仅仅限于乐器本身。

　　作为一个舞台演奏者，如果你同时兼具指挥、演唱、舞蹈、等相关艺术领域的素养，你的表演就会大大加分。其中舞蹈是用肢体语言作为基础载体的艺术，因此在诠释舞蹈性音乐内容时，一定离不开对于舞蹈动作的肢体表现。

　　绝大多数作品的开始、结尾以及高潮处都是该作品音乐表现的关键之处，特别是一些气势磅礴的曲目，音乐发展的高潮处和结尾处往往对整体呈现起到画龙点睛的作用。

　　在这类关键点处，只有宏伟的音响效果似乎还不足以满足观众的审美和情感需求，演奏者往往需要借助更为夸张一些的肢体动作来展现内心澎湃的情绪以及调动观众的热情。

　　虽然肢体语言在演奏中的运用十分广泛，却并非代表我们在演奏中可以不随心所欲地发挥，实际上肢体语言的运用也需要遵循一些原则。

　　肢体语言应该与音乐内容保持一致

　　肢体语言的使用应该是与音乐表现的内容高度一致的，因此表现的外在形式完全是基于对作品音乐内涵正确的理解。

　　例如夸张的肢体晃动会破坏宁静肃穆的音乐氛围，而热烈的节日气氛则需要幅度较大的肢体语言来帮助渲染。

　　肢体语言应该与音乐风格保持一致

　　虽然如今已是 21 世纪，但是当我们再现历史作品的时候，仍然需要把年代和风格作为最重要的指标。

　　演奏巴洛克和古典时期的作品，因为其相对内敛的情感和较为密集的音型织体特征，外在肢体动作也要相对收敛和简洁;演奏浪漫主义和一些现当代作品时，因为情感幅度、力度幅度更大，音域织体更广阔，肢体动作的运用也相应幅度增大。

　　肢体语言应该注意平衡音乐上的表现力与技术上的精确性

　　肢体语言的形成和发展也是需要长时间的积累和训练的。

　　一方面肢体语言的基础是协调的肢体动作，这与长期的技术训练密不可分;另一方面，肢体语言的灵魂是音乐素养的体现，这是演奏者潜心积累的结果。在实际处理中，演奏者需要根据音乐表现的需求和自身的技术水平来综合考虑设计和发挥肢体语言。

　　肢体语言应注意与演奏者的个性特征相结合

　　肢体语言的运用同演奏者的个性息息相关，在尊重作曲家原作风格精神的基础上，融入演奏者的个性特征也正是表演艺术生生不息的源泉，优秀的演奏往往是将原作的音乐内涵与自身的个性特征融合得恰到好处的成果。

　　肢体动作既是获得理想声音的手段，又是传达音乐内涵，增强音乐表现力的重要途径。

　　因此，作为双排键演奏者，明确肢体语言的重要性并且逐步学习和掌握直至形成具有鲜明个人特点的肢体语言，是形成个人演奏风格之路中的重要环节，值得每一位演奏者，特别是具备一定演奏基础的演奏者长期深入进行探索。